Архив История

И.Е.Молчанов (1809—1881) — руководитель народного хора, певец.

Выходец из крепостных крестьян, он хранил в своей памяти огромное количество русских напевов.

Хор Молчанова уникален тем, что хористы пели по слуху, не владея музыкальной грамотой. Но эта особенность хора вносила исключительное своеобразие исполнительству, позволяющему максимально выразить чувства русского человека и неповторимую манеру и характер в традициях русского подголосочного хорового пения. Он в 1850 г. создал народный хор из увольняющихся с воинской службы и успешно выступал с ним в Петербурге,Москве, Владимире, Курске, Нижнем-Новгороде и других городах. На память, на слух сочинял и разучивал четырёхголосные партии. Был собирателем песен с голосов крестьян, мастеровых, солдат и других. Сам сочинял песни и издавал их в популярных, особенно в конце 1850-х — 1860-х годах, песенниках. С его голоса записывали песни М. И. Глинка, В. Ф. Одоевский.

 

Хор И.И.Юхова (1870-1942)

В России в самом начале 20 в., начиная с 1900 г. , усилился интерес общественности к серьезным формам хорового и вокально-симфонического искусства. Особенно знаменательно то, что приобщались к музыкальной культуре рабочие, этому способствовало хоровое исполнительство.

Некоторые хоры стали высокопрофессиональными. Таковым был хор И.И.Юхова, организованный в 1900 г. из рабочих Мытищинского вагонного завода и фабрики Ребенек в Щелкове (подмосковных городах). Хор вскоре стал известен в широких народных массах как коллектив, исполняющий музыкальную классику, народные песни как a capella, так и с симфоническими оркестрами. Хор выступал с симфоническими концертами С.Кусевицкого, с московскими протодиаконами А.И.Здиховскм и К.В.Розовым, проводил духовные концерты в Соборной палате Епархиального дома. Этот знаменитый хор был высоко ценим выдающимися музыкантами, такими как С.Рахманинов, В.Калинников, П.Чесноков, А.Гречанинов.

Но духовная музыка вскоре оказалась не «в почете», и хор Юхова вынужден был менять имена и поприща.

С хором были связаны постановки Мейерхольда и Вс.Вишневского, первые звуковые фильмы («Цирк», «Веселые ребята», «Волга-Волга»).

Хор И.Юхова нашел свое продолжение в коллективе, известном как Государственная Академическая хоровая капелла России имени А.А.Юрлова.

Об этом знаменитом хоре  и о его руководителе можно почитать
http://ruskline.ru/monitoring_smi/1999/02/01/moskovskij_regent_ivan_yuhov
_i_ego_hor/

 

Хор А.А.Архангельского (1846-1924)

АрхангельскийХор создался при Почтамтской церкви в Петербурге в 1880 г.  Он обратил на себя внимание великолепным исполнением, художественной отделкой церковных песнопений. Александр Андреевич Архангельский предъявлял к хористам высокие профессиональные требования. В его составе наряду с детскими голосами мальчиков звучали женские и мужские голоса.  Хор быстро стал известен и считался лучшим а столице благодаря профессионализму,  а так же введению в трактовку церковных произведений приемов светской музыки, отточенности звучания и оттенков. В свои первые программы Архангельский включал русские, славянские и западно-европейские народные песни. В дальнейшем он стал включать в репертуар русскую и европейскую хоровую музыку. Состав хора достиг 75 человек, и были заменены голоса мальчиков женскими, что расширило исполнительские возможности хора. В репертуар входили произведения Березовского, Веделя, Сарти, Дехтерева, музыка Палестрины, напевы Симоновского монастыря, Бетховена, Мендельсона, Гуно. Исполнялись «Исторические концерты», посвященные творчеству коипозиторов Римской полифонической школы, Венецианской, Неаполитанской школ, гимны и песни народов Западной Европы с замечательной аранжировкой Архангельского.

А.А.Архангельский обогатил русскую хоровую культуру новыми чертами звучания, обширным репертуаром, много сделал для музыкального просвещения русского народа своими хоровыми концертами.

 

«Танго» Оскара Строка (1892-1975)

Oskar StrokОн работал в различных жанрах: писал фантазии, сюиты, увертюры, вальсы,  песни, романсы. Тонким интерпретатором вальсов композитороа был обладатель бархатного баритона Юрий Морфесси, ценил талант композитора русский певец Ф.Шаляпин. В 20-х годах его инструментальные произведения звучали с грампластинок английского оркестра.

«Танго» в 20-х годах захлестнуло Европу и звучало везде. Но О.Д.Строк сделал «свое танго». Его танго и великие исполнители 30-х годов Петр Лещенко и Константин Сокольский — это начало эры танго в России. Оскар Строк является автором более 300 танго. «О, эти черные глаза», и «Голубые глаза», и «Лунная рапсодия», и «Спи, мое бедное сердце», и «Мое последнее танго», и «Скажите, почему» и «Наталья», и «Не надо вспоминать любви». И еще много других романсов, мелодий, как они трогают душу. В военное и послевоенное время его танго исполняли  Алла Баянова, Николай Никитский, Изабелла Юрьева, Вадим Козин, Клавдия Шульженко, Леонид Утесов, Владимир Трошин. Эти замечательные мастера выступали в Театре Эстрады, в Саду Эрмитаж, в Колонном зале и Концертном зале «Россия», в концертном зале Музея музыкальной культуры имени М.И. Глинки.

Музыка Оскара Строка — настоящая музыка для души и поэтому ее любят и знают ценители искусства во всех странах мира. Пластинки Оскара Строка выпускаются и по сей день в Америке, Англии, Финляндии, Японии и во многих других странах мира.

 

Пушкин и Чайковский

Эти два великих человека очень несхожи по характеру, темпераменту, внешним данным. Но сближает их схожее художественное видение мира,гармоничность творческого облика, естественность выражения, душевная теплота. Имя Пушкина в доме Чайковских было окружено ореолом почета и преклонения. Чайковский, приступая к работе над произведениями, написанными Пушкиным, не ставил задачи быть оригинальным, но быть достойным поэтического гения поэта. Великий русский поэт Пушкин и великий русский композитор Чайковский для всех последующих поколений -это естественное сочетание прекрасной музыки и бессмертных поэтических творений, как будто изначально предназначенных друг для друга. Так кажется, что и фортепьянный цикл «Времена года» навеян поэзией Пушкина, к некоторым пьесам композитором в качестве эпиграфа взяты строфы из стихотворений Пушкина.

Чайковский не сразу решился взяться за «Евгения Онегина». Преодолев собственные сомнения, композитор с увлечением принялся за работу. Вот что он пишет гр.фон Мекк: «Вы говорите, милый друг, что в «Евгении Онегине» мои музыкальные узоры луччше канвы, по которой они вышиты. Я же скажу Вам, что если моя музыка к «Евгению Онегину» имеет достоинства теплоты и поэтичности, то это потому, что мое чувство было согрето прелестью сюжета». Чайковский восхищается совершенством пушкинского стиха и его музыкальностью. В другом письме к фон Мекк он говорит о поэзии Пушкина: » Независимо от того, что он излагает в форме стиха, в самом стихе, в его звуковой последовательности есть что-то проникающее в самую глубь души. Это что-то и есть музыка». Являясь истинным ценителем высокой поэзии, Чайковский очень бережно относился к Пушкину, и в либретто он тщательно работал над словесной основой, стараясь не вторгаться в ткань пушкинских стихов.

В «Пиковой даме» официально единственным автором является брат Чайковского Модест , который делал либретто в собственной интерпретации. Но Модест Ильич все же прислушивался к советам брата к сохранению пушкинского оригинала.

О вечной жизни к красоте музыки Чайковского замечательно сказал уже в 20 веке Д.Д. Шостакович: “Нет ни одного русского композитора конца 19 века или первой половины 20 столетия, который не был бы обязан той или иной стороной своего творчества П.И. Чайковскому…Подобно Пушкину он вошел в самую основу основ русского национального сознания. Без Чайковского мы не можем жить в дни нашей национальной скорби, имя его сопровождает нас и в дни побед, и в годины величайшего творческого подъема русского национального духа…”.

Двух гениальных людей связала и местность в Украине на Черкащине — усадьба Каменка.  Каменка была основана в начале XVII века беглыми крепостными. Впервые в исторических источниках Каменка упоминается в период освободительной войны 1648-1654 годов. Позже город принадлежал польским магнатам, российским вельможам, но самые интересные страницы истории города началась после объединения известных родов российских дворян – Раевских и Давыдовых. Каменка становится одним из культурным центров юга России, а чуть позже, одним из центром декабристского движения. Пушкин в художественных произведениях и письмах периода » Южной ссылки «(1820–1824 гг.), упоминаниет о недолгой, но счастливой поре, проведенной поэтом под гостеприимной сенью усадьбы в Каменке, которая принадлежала племяннице светлейшего князя Г.А. Потемкина-Таврического Е.Н. Давыдовой (урожденной Самойловой, по первому браку – Раевской). В период пребывания в имении Давыдовых поэт написал несколько своих известных стихотворений и закончил поэму «Кавказский пленник».

В Каменку каждое лето в течение 28 лет приезжал Петр Ильич Чайковский к своей сестре, жившей здесь вместе с семьей. Будучи в Каменке, он с интересом слушал рассказы матери своего зятя А.И.Давыдовой ( Лев.В.-сын декабриста В.Л.Давыдова и муж его сестры Александры) о её встречах с поэтом. Здесь он работал над операми «Евгений Онегин», «Лебединое озеро», «Спящая красавица»…Летом 1878 года, живя в Каменке, Чайковский сочинил «Детский альбом», состоящий из двадцати четырех небольших фортепианных пьес и посвятил его своему маленькому племяннику Володе (Бобу). Каменка привлекала композитора чудесной природой и простором. Находясь в Каменке, композитор не пренебрегал местными ярмарками, где внимательно прислушивался к пению кобзарей и бандуристов. Чайковский любил фольклор, а песню называл «народной святыней».

Про все это сегодня можно узнать, посетив литературно-мемориальный музей А.С. Пушкина и П.И. Чайковского. Памятником садово-паркового искусства является Парк декабристов (в прошлом – романтический парк Давыдовых). Из усадебных построек сохранился дом управляющего имением, “Зеленый домик”, находящийся в глубине аллеи, вдоль р. Тясмин.

Построен в нач. ХІХ века как один из флигелей усадьбы Давыдовых. Свое название получил из-за преобладающего зеленого цвета: зеленая крыша, зеленые оконницы, зеленая галерея. В этом флигеле размещалась часть библиотеки Давыдовых, бильярдная и столы для игр, поэтому его еще называют «Карточным домиком». В этом домике обычно останавливались гости Давыдовых. «Зеленый млынок» (зеленая мельничка) в сквере на берегу р. Тясмин, другое его название «Млынок декабристов»( Мельница-ротонда построена калужскими мастерами В. Гавриловым и М. Дмитриевым по заказу хозяина каменского имения декабриста В. Давыдова), считается «Зеленый млынок» изначально был задуман Давыдовым как тайное помещение для конспиративных встреч Южного общества декабристов. Здесь в начале 1820-х Пушкин встречался с будущими декабристами.

Сейчас в «Зеленом домике» размещен литературно-мемориальный музей А. Пушкина и П. Чайковского. Представлены мемориальные вещи семьи Давыдовых, личное пианино П. Чайковского, прижизненный портрет композитора, написанный в Каменке.

В 1926 году, к 100-летию казни декабристов, парк был назван в их честь. В одном из уютных уголков парка находится Грот декабристов. Построен в кон. XVIII в. как архитектурное украшение парка. В нем любил отдыхать А. Пушкин, в связи, с чем его теперь иногда называют Пушкинским гротом.

В настоящее время здесь проводятся интересные литературно-музыкальные вечера, объединенные под названием “Летние встречи в Пушкинском гроте”, а также Всеукраинский литературный фестиваль “Пушкинское кольцо”, различные песенные фестивали.

Просветительская деятельность в музыке

В советскую эпоху на заре своего становления одной из задач просвещения народа была поставлена задача общемузыкального образования. Для этого в школах были введены обязательные уроки музыки (хоровое пение и слушание музыки), организовывались музыкальные кружки, оркестры духовые и народные, оперные, театральные, проводились специальные детские программы в филармониях и концертных залах. Для музыкального просвещения взрослых людей в Петербурге и Москве открылись Народные школы музыкального просвещения. Знаменитые музыканты, композиторы, известные дирижеры и педагоги проводили огромную концертно-просветительскую работу. Музыка и беседы о музыке происходили не только в концертных залах, филармониях, но и в парках, клубах, учебных заведениях, казармах в больших городах и маленьких селах. Самодеятельные музыкальные коллективы всегда находились в поле зрения профессиональных музыкантов, которые поддерживали высокий уровень самодеятельных артистов.

Эти традиции продолжаются теперь уже и 21 в. В консерваториях и филармониях проводятся бесплатные циклы музыкальных бесед для школьников, концерты профессиональных музыкантов в образовательных (начиная с детских садов) и воспитательных учреждениях, фестивали, где население знакомится с известными и новыми музыкальными произведениями и исполнителями.

В конце 20 в. музыкальная культура не поддерживалась государством и поэтому роль музыкального просветительства не была актуальна. Это не могло не сказаться на общем культурном уровне населения. Низкопробная музыка зазвучала повсеместно. Плоды такого «просвещения» ощущаются и теперь, когда выросло поколение, воспитанное на «среднего уровня шедеврах».

В настоящее время в музыкальном просветительсве проводится большая работа, которая приносит значительные успехи. Значительная роль принадлежит системе абонементов, когда можно услышать циклы концертов известных музыкальных коллективов, пианистов, скрипачей. Издаются информационно-аналитические журналы, специальные телепередачи. Телеканал «Культура» — это окно в настоящий мир музыки и музыкальной культуры.

Просветительская работа проводится не только в крупных городах, но и в маленьких населенных пунктах трудятся музыкальные руководители, педагоги музыкальных школ и училищ, музыкальные хоры, оркестры и ансамбли. Это люди, преданные своему делу, музыке, которые при всех режимах остаются верные делу просветительства высокой планки музыкального искусства.Это огромное поле деятельности, так как целое поколение молодежи было воспитано на развлекательной, бессодержательной ( пустопорожней) коммерческой музыке. Они не приемлют другую музыку, более высокую в эстетическом отношении и воспитывают детей на своих идеалах.

В Пушкино много делается в плане музыкального просветительства населения: проводятся ежегодные фестивали классической музыки (орг.М.и Н.Калиничевы), где население города и района знакомятся с шедеврами музыкальной культуры. Музыкальные коллективы Хор «Осанна», ансамбль русской песни «Московия», хоры ветеранов, музыкальный театр, ансамбль русских народных инструментов «Боярушка» и квартет балалаечников «Ситенно», музыкальная школа №1 и районные музыкальные школы, муз.колледж им.Прокофьева — все они участвуют в просвещении (ездят с концертами, рассказывают о музыке и музыкальных инструментах) и вносят свою лепту в музыкальном просветительстве народа России, а значит и в повышение нравственно-эстетического и культурного уровня людей.

Музыкальное просвещение народа-это новые имена в мире музыки: талантливые исполнители, педагоги, дирижеры. Россия богата талантами, а мире музыки особенно. Поэтому мир еще много услышит имен музыкантов из России, поэтому роль музыкального просветительства очень актуальна в наше время .

М.И. Глинка и хоровое исполнительство

Разносторонние в художественном отношении взгляды М.И. Глинки , великого русского композитора, не могли оставить в стороне хоровое исполнительство. Придворная капелла под его управлением набирала лучших певцов со всей России. Это были феноменальные голоса с необыкновенными тембровыми звучаниями и диапазоном, приводящими в восторг всех их слышавших. Мощность, насыщенность, органность и красота звучания капеллы поразила Берлиоза в 1847 году в его первый приезд в Россию. Хор, состоящий из восьмидесяти певчих, исполнял один из восьмигласных концертов Бортнянского без дирижера (регента) , переходя на различные ритмические рисунки и тональности.

Культивируемая Глинкой напевная колоратура-была примером не только виртуозной певческой техники, но и средством выражения человеческих эмоций и воплощением художественного образа. Глинка понимал, что эти художественные и технические зхадачи требуют от исполнителя особой методики вокального обучения. Композитор сам шел к выработке методических установок в обучении певцов, опираясь на традиции руской певческой школы и используя опыт зарубежных традиций исполнения (в частности итальянской). Очень много усилий уделялось композитором при постановке оперных сцен.

Он требовал от исполнителей помимо безупречного вокального исполнения ясного четкого произношения всех слов и фраз По мнению Е.Ф.Одоевского, хор в операх Глинки- дейстстующее лицо, а публика должна слышать

что это лицо поет и что выговаривает. Поэтому перед композитором была поставлена задача наряду с совершенствованием вокального мастерства, показать жизненность и правдивость воплощаемых хором образов.

 

Алексеевский драматический кружок (Любимовка)

Алексеевской драматические кружок (1877-1887) – домашний любительский театр в семье потомственного почетного гражданина, Коммерции советника Сергея Владимировича Алексеева (1836—1893). Первый спектакль состоялся в подмосковной усадьбе Алексеевых Любимовке, 5 сентября 1877 года в день Именин Елизаветы Васильевны Алексеевой (1841—1904). Постановщиком этого спектакля был Иван Николаевич Львов, студент Московского университета, любимый репетитор сыновей Владимира и Константина Алексеевых. Спектакль состоял из четырех коротеньких водевилей, в двух из которых играл (впервые в жизни) четырнадцатилетний гимназист Костя, а именно в водевилях «Старый математик, или Ожидание кометы в уездном городе» и «Чашка чаю»; в «Старом математике» выступал также отец семейства С. В. Алексеев, поскольку спектакль был подарком его жене и матери их детей ко дню Именин. В репертуаре Алексеевского кружка были комедии, шутки-водевили, по большей части переводные или переделанные с французского и немецкого, а также русских авторов: П.И.Григорьева, В.Александрова (В.А.Крылова), В.А.Дьяченко.

Первые годы спектакли Алексеевского кружка проходили в июле-августе в Любимовке, на сцене двухэтажного

небольшого деревянного театра, выстроенного в 1877 году отцом семейства, по общей просьбе, на месте развалившегося старого флигеля. Это был первый театр, на сцену которого вышел будущий К.С.Станиславский, когда ему было 14 лет (ныне это административный корпус современной Любимовки). Здесь он вел сценические опыты. Из Вены он привез доселе никому в России не известную новую оперетту «Жавотта», бесхитросный сюжет и текст которой он немного сам переделал. Это был вариант известной сказки Ш.Перро «Золушка». Автором «Жавотты» был мало известный парижанин Эмиль Жонас. Оперетта увидела свет 28 апреля 1883 года в Москве на сцене театрального флигеля, пристроенного к Красноворотскому дому С.В. и Е.В.Алексеевых – это был второй театр будущего К.С.Станиславского. В дальнейшем репертуар Алексеевского кружка усложняется и в нем чаще появляются новые, совсем недавно поставленные в Европе оперетты, например, «Мадэмуазезгь Нитуш» и «Лили» Флоримона Эрве в переводе с французского B.C.Алексеева, с декорациями А А.Малевича-Щукина. Постановки Алексеевского кружка всегда отличались великолепной срепетованостью и высоким исполнительским и художественным вкусом, что резко положительно отличало Алексеевский кружок от существовавших в то время других любительских театральных коллективов. Вершиной деятельности и последней постановкой Алексеевского кружка была оперетта на японский сюжет «Микадо или Город Титипу» английского композитора Артура Сюлливана (1842—1900), которую перевел с английского на русский язык и руководил всей сложнейшей постановкой спектакля Володя Алексеев. Успеху спектакля способствовав великолепные декорации Константина Александровича Коровина (1861—1939). Премьера 18 апреле 1887 года на сцене красноворотского дома в Москве, после прошло еще несколько повторных спектаклей.

С.С.Балашов *Алексеевы»

Усадьба жила летом веселой дачной жизнью. Алексеевы часто совершали лодочные прогулки по реке Клязьма вместе с соседями и приезжими гостями, так что по живописной Клязьме двигалась целая флотилия лодок. Верхом и в экипажах ездили в Пушкино или к соседям в Листвяны, Звягино, Мамонтовку. В небольшом павильоне устраивались музыкально-театральные представления и семейные спектакли.

В настоящее время в усадьбе Любимовка (Пушкинский район) пока не проводятся экскурсии, но молодыми актерами засаживается вишневый сад, в память о «Вишневом саде» А.П.Чехова (пьеса была написана в 1903г. на даче К.С.Станиславского).

Международный фонд Станиславского начинает новый театральный проект «Вишневый сад» в рамках Международного театрального фестиваля «Сезон Станиславского».

Во вновь оборудованном Театральном павильоне и Домашнем театре в бывшей усадьбе К.С.Станиславского «Любимовка» будут регулярно проводиться: мастер-классы ведущих зарубежных режиссеров (первая международная режиссерская лаборатория была проведена                     Э. Някрошюсом в 2011 году); показы спектаклей молодых российских режиссеров рамках молодежной программы фестиваля «Сезон Станиславского»; пресс-показы готовящихся спектаклей, продюсером которых является Фонд Станиславского.

 

История инструмента:балалайка

В русских печатных источниках, от нотных песенных сборников конца XVIII столетия и до середины следующего века, мы не встречаем никаких упоминаний о народных музыкальных инструментах и инструментальной музыке, ни одного образца народного инструментального исполнения. Теоретические исследования в этой области опирались на вокальную основу, что привело к недооценке инструментального начала русской народной музыки.

На сегодняшний день история балалайки насчитывает почти три столетия. В фондах Центрального государственного архива древних актов СССР, хранится документ под названием «Память из Стрелецкого приказа в малороссийский приказ». Относится этот документ к 1688 году, и вот о каком происшествии приключившемся в Москве в нем рассказывается: «В нынешнем в 196 — м году июня в 13 день в Стрелецкий приказ приведены арзамасец — посадский человек Савка Федоров сын Селезнев, да Шенкурского уезду дворцовой Важеской волости крестьянин Ивашко Дмитриев, а с ними принесена балалайка для того, что они ехали на извозничье лошади в телеге в Яуские ворота, пели песни и в тоё балалайку играли и караульных стрельцов, которые стояли у Яуских ворот на карауле, бранили…»

Следующим упоминанием о балалайке в печатных источниках был «Реестр», составленный и подписанный Петром I в 1715 году. В Санкт-Петербурге готовилось празднование шуточной свадьбы тайного советника князь — папы Н. М. Зотова. Свадебная церемония должна была сопровождаться грандиозным шествием ряженых, изображавших группы различных народов и племен, населявших в те времена Государство Российское. Каждой группе полагалось нести музыкальный инструмент, наиболее характерный для данной национальности. Помимо большого количества других инструментов, в «Реестр» входило 4 балалайки. Тот факт, что балалайки были отданы участникам, одетым калмыками, говорит, видимо о том, что балалайка в начале XVIII века не имела широкого распространения в русском народе.

Первые специальные описания русских народных инструментов, появившиеся в последней трети XVIII века, принадлежат иностранцам, жившим и работавшим в России Аналогичный материал этого периода, собранный отечественным исследователем С. А. Тучковым в «Записках 1780-1809» (СПб.,1906) увидел свет лишь спустя столетие. Русские музыкальные инструменты и народное музицирование отнюдь не являлись главной темой иностранных авторов, но составляли относительно крупные и довольно хорошо систематизированные разделы их обобщающих трудов: Я. Штелин «Известия о музыке в России» (СПб., 1769), И. Беллерман «Заметки о России с точки зрения науки, искусства, религии и других особенных отношений» (1778), И. Георги «Попытка, описания русской столицы Санкт-Петербурга» (1790), М. Гютри «Диссертация о русских древностях» (СПб., 1795).

Уже тот факт, что столь разные по тематике исследования единодушно уделяют внимание народной музыкально-инструментальной практике, говорит о безусловном оживлении интереса к ней со стороны передовых научных деятелей «века русского Просвещения». Трудно переоценить значение этих первых специальных сведений, дающих представление о составе русского инструментария середины XVIII века, устройстве и некоторых названиях, характере звучания, порой и условиях бытования отечественных народных инструментов, приемов игры на них.

http://www.balalaika-master.ru/history/1/

Ранние истоки творчества М.Глинки

Михаи́л Ива́нович Гли́нка (20 мая [1 июня1804 — 3 [15] февраля 1857) — русский композитор, основоположник национальной композиторской школы.

Самые ранние музыкальные способности у М.Глинки выражались страстью к колокольному звону (трезвону). Глинка родился в с.Новоспасское Смоленской губернии.

Новоспасские колокола были знамениты не только в своей округе, но и далеко за её пределами. Их отличал глубокий, бархатный, ясный звон.

«Музыка-душа моя». Эти слова юного Михаила Глинки определили всю творческую биографию композитора.  Церковное пение, праздничный звон колоколов, православная служба — это начальное знакомство с миром музыки будущего композитора. Колокольный звон или ассоциация с ним присутствуют в творчестве композитора:в опере «Руслан и Людмила», «Князь Холмский», «Иван Сусанин». Эти первые детские впечатления от колокольного звона композитор воплотил в своей музыке, которая является для русского человека национальным богатством.

Смоленщина — родина композитора, где он провел своё детство, известна своим песенным богатством. Смоленская народная песня вобрала в себя всё: русское песенное творчество, белорусский фольклор, певучесть украинской мелодии,польский ритмический рисунок. М.Глинка с детских лет впитывал это многогранное фольклорное и лингвистическое богатство Смоленского края.

 

WordPress SEO fine-tune by Meta SEO Pack from Poradnik Webmastera